El Museo Guggenheim Bilbao adquiere obras de los doce artistas integrantes de la muestra Chacun à son goût

La Tenedora Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Bilbao ha adquirido para el Museo Guggenheim Bilbao obras a los artistas que han integrado el pasado año 2007 la muestra Chacun à son goût, que reunió las propuestas creadas ex profeso para el Museo por 12 artistas vascos o formados en el País Vasco, de la generación que se ha afianzado a lo largo del último decenio. El objetivo de estas adquisiciones es incrementar la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao con obras significativas de artistas que cuentan con una consolidada trayectoria creativa y una destacada proyección internacional.

El conjunto de obras adquiridas es: La danse des flâneuses, 2007 de Elssie Ansareo; Horizontes (2001- 2007) de Ibon Aranberri; Irresistiblemente bonito, 2007 de Manu Arregui; Sin título, Madrid. Cárcel de Carabanchel. Fondo para las Fotografías de las fichas de Ingreso (1998) de Clemente Bernad; 130.000 años de últimas tendencias (2007) de Abigail Lazkoz; AdosAdos, 2007 de Maider López; Nom de guerre (2007) de Asier Mendizábal; Muros de luz 011 (2005) de Aitor Ortiz; Irrintzi (2007) de Itziar Okariz; Proyecto convertido en instalación (2007) de Juan Pérez Agirregoikoa; Secuencia de diedros (2007) de Sergio Prego; Poétique de la disparition, 2006 de Ixone Sádaba.

De esta forma, los fondos propios del Museo se incrementan y complementan con nuevos medios como la fotografía y el vídeo, haciéndose eco de líneas de investigación documentales, conceptuales y de ubicación específica que conforman las prácticas más actuales. El coste total de estas adquisiciones es de 444.222,89 euros.

Estos doce creadores pertenecen a una generación reafirmada a finales de los años noventa y su trayectoria pone de manifiesto que, a la vez que responden y cuestionan las tensiones relativas a su identidad local o regional, son autores de vocabularios internacionales. Las obras adquiridas proponen significativas reflexiones sobre la identidad cultural, la diferencia sexual, el poder del arte o la violencia política.

ELSSIE ANSAREO. La danse des flâneuses, 2007

La danse des flâneuses, 2007 es la pieza más ambiciosa de la trayectoria de Elssie Ansareo (México DF, 1979). Se trata de un enorme mural fotográfico en blanco y negro compuesto por 12 impresiones fotográficas, de 200 cm. de alto x 180 cm. de ancho: una pieza central de 8 paneles, un díptico y dos “vanitas” que enmarcan el mural y repiten algunos de los elementos formales y estéticos del conjunto.

En su obra fotográfica, Ansareo profundiza en la idea de la identidad vista a través de la dualidad, es decir, reflexiona sobre el “yo” mediante su reflejo en el “otro”. Trabajando siempre en serie, Ansareo recurre a la fotografía escenificada para narrar historias íntimas de carácter no-lineal, pero de un marcado cariz narrativo.

La danse des flâneuses, creada específicamente para la exposición Chacun à son goût, es un mural panorámico que refleja la apropiación de la imagen masculina por excelencia, desde una sociología feminista de la modernidad. Para ello, crea una galería de personajes fantasmagóricos, surgidos del imaginario familiar, que coexisten, aunque no conviven, en un espacio neutro en el que sus fisionomías individuales se confunden.

El coste de adquisición de esta pieza ha sido de 49.222,89 euros.

IBON ARANBERRI. Horizontes, 2001- 2007

Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Gipuzkoa, 1969) es uno de los más destacados exponentes de la nueva generación de artistas vascos. Después de su participación en la bienal europea Manifesta 5 de Frankfurt (2002) ha consolidado su reputación internacional gracias a su reciente selección en la Documenta XII (2007).

La instalación Horizontes, que forma parte de una serie de trabajos de Aranberri sobre iconos del arte vasco, consiste en una serie de 500 estampaciones que, a modo de banderines festivos, recrean la reconocible iconografía del artista Eduardo Chillida.

Más allá de su faceta de escultor, Chillida diseñó numerosos anagramas para instituciones culturales y políticas. Se trata de iconos de distinto orden cultural y político que han ido definiendo parte de la memoria colectiva y corporativa local, reciclados, alterados y dispuestos de forma conjunta por Aranberri, sin orden secuencial, de manera que pierden el trazo original y se van mezclando transformándose en signos más neutrales.

Interesado por las imágenes pertenecientes a la memoria colectiva local, Aranberri cuestiona en su obra los efectos sociales de ciertas decisiones políticas con obras que, bajo un orden escultórico, se convierten a menudo en acciones, archivos o convocatorias.

El coste de la pieza ha sido de 75.000 euros.

MANU ARREGUI. Irresistiblemente bonito, 2007

Si bien en las primeras obras de Manu Arregui (Santander, 1970)

el personaje protagonista aparecía como una forma de alter ego virtual (Bonjour Baudrillard, 2003), en la actualidad el artista trabaja directamente con personajes reales, a través de los cuales cuestiona ideas como la minusvalía o la identidad sexual.

En esta línea se sitúa su obra Irresistiblemente bonito, realizada específicamente para la exposición Chacun à son goût, en torno al personaje real de Vanesa Jiménez, conocida como “la niña de los huesos de cristal” que alcanzó una cierta popularidad en televisión a través de varios programas que la3 ofrecían como ejemplo de superación personal. Arregui pone de manifiesto el hecho de que, como toda realidad mediatizada, este personaje real se convirtiera en una copia hiperreal de ella misma, y por tanto, como diría Baudrillard, “en la simulación de algo que nunca existió.”

Manu Arregui utiliza técnicas de modelado y animación virtual por ordenador en 3D y tergiversa frecuentemente el melodrama hollywoodiano de los años cuarenta y cincuenta, con sus afectadas bandas sonoras, para tratar cuestiones del presente. La introspección psicológica, la búsqueda de la identidad o el desmantelamiento de códigos sexuales caducos son temas habituales de su repertorio artístico.

El coste de la pieza ha sido de 30.000 euros.

CLEMENTE BERNAD. Sin título, Madrid. Cárcel de Carabanchel. Fondo para las Fotografías de las fichas de ingreso, 1998

La fotografía como documento social es utilizada por el fotoperiodista Clemente Bernad (Pamplona, 1963) para dar forma a series que tratan de revivir “historias olvidadas”, contadas con una mirada crítica, no pasiva, que nacen en ocasiones por encargo y en otras por iniciativa propia.

Aunque Bernad trabaja fundamentalmente con series, la selección para la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao de una única imagen apuesta por la condensación de significado que se concentra en una instantánea singular. Sin título, Madrid. Cárcel de Carabanchel. Fondo para las Fotografías de las fichas de ingreso, primera obra que el visitante descubría en la sala que reunía su trabajo en la muestra, fue tomada una semana después del cierre del edificio. En el centro de una pared agrietada, con desconchados y humedades, cuelga un trozo de tela blanca cuadrangular. La escala de medidas a la izquierda de la imagen advierte de la función de la tela como fondo neutro para hacer las fotos de los detenidos. A la derecha, un pilar también pintado de blanco sirve como marco simétrico a ese sudario contemporáneo. La fotografía es frontal y presenta de una forma límpida, tan abstracta y a la vez tan real y contundente, una de las metodologías rutinarias pero esenciales para la vigilancia del culpable contemporáneo.

La adquisición de este trabajo, cuyo coste es de 7.500 euros, supone el reconocimiento del fotoperiodismo y de las prácticas documentales como una de las formas fundamentales de acercarse a la realidad contemporánea.

ABIGAIL LAZKOZ. 130.000 años de últimas tendencias, 2007

El dibujo en blanco y negro como escritura sobria y sintética es utilizado por Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) en 130.000 años de últimas tendencias, una gran intervención mural que alude a la obsesión del sistema del arte por la moda y la novedad, a la vez que rememora los rituales de enterramiento del homo sapiens como forma de cultura antropológica.4 En común con muchas propuestas artísticas actuales, la muerte aparece aquí como argumento central de la obra, pero Lazkoz no la representa como algo terrible o macabro, sino como algo que acontece sin dejar huellas visibles. El espectador se enfrenta a unos nichos-útero en los que los muertos, ajenos a lo exterior, parecen inmersos en un ejercicio de indolente concentración. El contrapunto a ese ensimismamiento silencioso son los textos de las lápidas que, en su irreverencia, tienen como objetivo violentar la apariencia pacífica de la muerte.

Formalmente, esta artista que vive y trabaja en Nueva York, retoma en esta obra su investigación en torno a las posibilidades del dibujo en blanco y negro como recurso de representación, al tiempo que rinde homenaje a los recursos pictóricos de la pintura clásica, como son el marco rectangular y el nicho geométrico contrapuesto a las formas orgánicas de los bodegones de Sánchez Cotán.

El coste de su obra es de 55.000 euros.

MAIDER LÓPEZ. AdosAdos, 2007

La obra de Maider López (Donostia/San Sebastián, 1975), una de las figuras más prominentes del arte vasco contemporáneo tras su participación en la Bienal de Venecia, 2005, y sus recientes proyectos en Rotterdam, Budapest o los Emiratos Árabes Unidos, surge del diálogo entre arte, diseño y arquitectura. En esta línea se sitúan sus instalaciones en las que mediante la intervención en paredes, suelos o ventanas, o incluso mediante la creación de mobiliario interior o urbano, o la presentación serial de columnas, la artista convierte el espacio arquitectónico de una galería o un edificio en la obra misma.

AdosAdos, una acción artística en la línea de anteriores creaciones de convocatoria pública como Ataskoa, 2005 o Playa, 2006, se compone de 16 fotografías de la acción llevada a cabo con el colectivo de Amigos del Museo para conmemorar el Décimo Aniversario. Más de 1.000 personas pertenecientes a este colectivo se dieron cita en el Museo para llevar a cabo una ficticia ampliación del edificio, sujetando sobre su cabeza simuladas placas de titanio y conformando un trampantojo humano que fue inmortalizado por Maider en la serie de imágenes que ahora forman parte de la Colección Propia. Este conjunto de piezas son representativas de la trayectoria de la artista en la medida en que plasman la transformación de la arquitectura mediante una propuesta de ampliación efímera del exterior del Museo por medio de las personas que, como afirma Maider López, son en este caso “las que construyen la arquitectura”.

El coste de la serie es de 42.000 euros.

ASIER MENDIZABAL. Nom de guerre, 2007

En Nom de guerre, concebida para la exposición Chacun à son gout, Asier Mendizabal (Ordizia, Gipuzkoa, 1973) traslada un aparente ready made de la violencia callejera al contexto sacralizado y límpido del Museo, explorando sus límites y normas de conservación.

Esta intervención específica está compuesta por dos elementos: un contenedor de metal lleno de combustible que, a modo de improvisado pebetero, arde permanentemente sobre un bloque de hormigón; y un conducto vertical, museológicamente necesario, para la evacuación de humos. A la vez que usa el fuego como “fiebre de lo social”, esta obra problematiza la función monumental y conmemorativa de la escultura, y alude, indirectamente, a la celebración del Décimo Aniversario de la inauguración del Museo.

Para Asier Mendizabal la representación de la realidad es imposible sin un distanciamiento crítico. Como ya hizo en obras como Zer eskatzen du herriak? (¿Qué es lo que pide el pueblo?) (2004), un vídeo en el que una banda de músicos interpreta un tema popular asociado en ocasiones a reivindicaciones políticas. Mendizábal, un artista que vive y trabaja en Bilbao, investiga las formas en que grupos e individuos se reúnen en nombre de una ideología o simplemente por la necesidad de estar juntos.

El coste de la pieza es 23.000 euros.

AITOR ORTIZ. Muros de luz 011, 2005

Desde mediados de los años ochenta Aitor Ortiz ha venido utilizando la fotografía como medio de documentación, análisis, exploración y transformación del espacio arquitectónico.

En una primera etapa, el trabajo de Ortiz, encuadrado en la serie Destructuras, 1995-2002, se centró en la representación de espacios ya existentes. Entre 2002 y 2003, la serie Modular.mod supuso un cambio significativo al utilizar las imágenes fotográficas, montadas sobre bastidores basculantes que modificaban la perspectiva, que cuestionaban el papel del espectador para leer el espacio representado. La serie Muros de luz, es una afirmación del poder ficcional de la fotografía como medio para crear también espacios mentales y es una obra representativa de las obsesiones estéticas del artista y de su evolución creativa.

En la imagen de esta serie adquirida por el Museo puede apreciarse, sobre una masa de piedras veteadas, mineralmente texturadas, un cubo arquitectónico de luz inmaculadamente blanco horadando la roca y perfectamente tallado en ella. El material de base para la imagen y para otras de la misma serie fue tomado en la cantera de mármol negro de la localidad vizcaína de Markina en 2004. Posteriormente, en un laborioso proceso de collage digital el artista inserta en diferentes fragmentos espacios ortogonales de luz, tanto como idea del espacio habitable como de la pureza de las salas de un museo, con un tono sublime y melodramático.

La obra de Aitor Ortiz invita al espectador a reflexionar sobre las relaciones de identidad y la diferencia entre arquitectura y fotografía, entre espacio real y construcción visual.

El coste de la obra es de 23.000 euros.

ITZIAR OKARIZ. Irrintzi, 2007

Con Irrintzi, una serie de acciones documentadas en vídeo, Itziar Okariz (Donostia /San Sebastián, 1965) interviene en los espacios del Museo “echando” irrintzis, un grito ancestral vasco que funciona como manifiesto y reclamo de identidad y que se ha mantenido como forma de expresar júbilo en las celebraciones festivas, generando diferentes tipos de resonancias en las distintas salas del Museo.

Para esta artista, que vive y trabaja en Nueva York, este recorrido sonoro por los espacios museísticos es a la vez una forma de aprehensión física del espacio arquitectónico y un ejercicio de contraste semántico entre las connotaciones tradicionales del irrintzi y la modernidad del Museo. Su voz, utilizada como sustancia sonora, va puntuando los espacios museísticos, con lo que su significación varía y se reestructura en función del contexto que lo acoge demostrando su eficacia como forma de interferencia social y cultural.

En la documentación videográfica Okariz retarda mínimamente la distancia entre el sonido y la imagen en alusión a la falta de sincronía entre la emisión de un mensaje y su captación por parte del espectador.

El trabajo de Itziar Okariz analiza la construcción social de las identidades con una atención especial a los temas sexuales y de género, sin olvidar otros aspectos culturales y políticos.

El coste de la pieza es de 25.000 euros.

JUAN PÉREZ AGIRREGOIKOA. Proyecto convertido en instalación, 2007

El trabajo de Juan Pérez Agirregoikoa (Donostia/San Sebastián, 1963) para la exposición Chacun à son goût consiste en una serie de pancartas, situadas en lugares específicos del Museo, que se inspiran en eslóganes, frases o textos populares que el artista modifica y mezcla con su propio acerbo cultural, aprovechando para exponer sus propias ideas y exabruptos.

En la gigantesca pancarta colgada en el Atrio del Museo Guggenheim Bilbao durante la muestra figuraba la frase ¿Habéis cedido a vuestro deseo?, en alusión a cómo inconscientemente cedemos nuestro poder y pasamos a ser subalternos de las imposiciones de otros. La idea que la sustentaba aparecía completada en otra pancarta de menor tamaño que compone la escultura Proyecto convertido en instalación, que ahora forma parte de la Colección Propia del Museo, donde el artista recoge un conjunto de eslóganes como “Olvida a tus padres”, “Repudia el sexo” o “Rechaza el trabajo”, entre otros, sujetados sobre vallas como las que separan al público del campo de juego.

Esta obra supone una ampliación de los espacios de representación que hasta ahora había tenido el trabajo del artista, limitado en general a la realización de pancartas, y es por ello uno de sus trabajos más relevantes ya que impulsa su práctica representacional, abriéndola a los territorios de la escultura y la instalación.7 En la obra de Pérez Agirregoikoa que vive y trabaja en París, el humor cáustico, que pasa por la ironía y a veces llega al sarcasmo, construye una representación sensible de la violencia que nos rodea.

El coste de la instalación es de 30.000 euros.

SERGIO PREGO. Secuencia de diedros, 2007

La concepción de la escultura no como objeto sino como intervención y transformación del espacio ha llevado a Sergio Prego (Donostia/San Sebastián, 1969) a concebir específicamente para Chacun à son goût la intervención Secuencia de diedros consistente en una estructura de cinco paneles móviles de aluminio, instalada sobre el muro cortina de cristal del interior del Atrio, que irrumpen e interrumpen con ritmos prefijados la sonoridad y visualidad del Museo mediante mecanismos hidráulicos regulados por ordenador. El Museo Guggenheim Bilbao ha adquirido esta pieza para su Colección Propia, junto con los dibujos y maquetas que forman parte de su concepción.

El título parece una sencilla alusión a la abstracción geométrica, sin embargo, lo que este artista que desarrolla su carrera profesional en Nueva York y que ha mostrado sus obras en el P.S.1 del MOMA, la Bienal de Venecia o la Feria de Basilea pretende al atreverse a instalar una obra de arte en un lugar de difícil acceso, es lanzar un desafío, no ya sólo a los espacios tradicionalmente museísticos, o incluso a los espacios públicos que albergan obras de arte, sino a la naturaleza misma del arte en un contexto expositivo.

Prego utiliza las tecnologías contemporáneas, en este caso el sistema hidráulico ideado por él mismo, para distorsionar, modificar y reinventar las relaciones entre el lugar, el tiempo y los objetos esculturales, ya sean éstos los sujetos humanos o los materiales informes –como humo o líquidos– que los recorren. Cambiando los parámetros habituales de gravedad, velocidad o visibilidad, y jugando con el tiempo real y tiempo diferido, Prego transforma radicalmente las formas de percepción.

El coste de la pieza es de 55.000 euros.

IXONE SÁDABA. Poétique de la disparition, 2006

Ixone Sádaba (Bilbao, 1977), una artista que vive y trabaja en Nueva York y que se dio a conocer a principios de la presente década con fotografías escenificadas y performances de gran impacto, explora cuestiones de identidad a través del desdoblamiento de su propia imagen, organizando coreografías teatrales en ocasiones en paisajes sublimes y apocalípticos.

En Chacun à son goût incluyó Poétique de la disparition, una serie realizada en 2006 compuesta por cinco fotografías. Inspirada en una obra seminal de Gaston Bachelard, la artista explora conceptos de identidad y dualidad mediante imágenes de un cuerpo fragmentado sobre una cama. Haciéndose eco de esta obra, Sádaba construye una alegoría de estados de ánimo psicológicos, en los que el miedo y la8 inseguridad, convertidos en mero gesto, conducen al espectador a “leer la cama”, como diría Bachelard, como reflejo de su propia experiencia. En la serie se repite la imagen centrada y simétrica de una habitación con una chimenea clausurada y una cama anónima en primer término.

En una de las imágenes del conjunto aparece el cuerpo como una sombra de sí mismo. En las siguientes, diferentes partes del cuerpo femenino se muestran fantasmagóricamente fragmentadas, en alusión, citando al filósofo francés Jean Luc Nancy, a “todos esos cuerpos torturados, violados, lastimados, humillados. A todos esos cuerpos a los cuales se les deniega su ser como cuerpo”.

El coste de la serie ha sido de 29.500 euros.

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